Il desiderio del ‘luogo altro’ genera la vita errante e questa, a sua volta, favorisce l’atto creativo.
Del nomadismo. Per una sociologia dell’erranza – Michel Maffesoli

Il titolo Displacement, ovvero delocalizzazione, è legato alla vocazione nomade del processo creativo dell’artista in grado di proporre lavori che portano con sé la sintesi armonica di luoghi, ambienti e linguaggi.
È un nomadismo di ricerca, nello spazio e nel tempo, con cui l’artista ha contaminato in primo luogo il suo stile. Riversandolo nelle sue opere insieme alla scelta di materiali, metodi di lavorazione e attitudini provenienti da diverse culture e sub-culture, Paolo Zero-T è riuscito in una sinergia solida e riconoscibile.
Ogni opera riflette quindi il concetto di contaminazione simbolica e culturale che diventa vera e propria modalità di creazione artistica.
Struttura, forma, consistenza dei materiali, dimensioni e portabilità sono le dinamiche primarie che permettono allo stile di Zero-T di abitare luoghi inediti di una mappa ideale, di essere transitorio senza diventare effimero.
L’insieme delle opere include creazioni che vanno da tappeti lavorati in Nepal a sculture in legno di ebano africano, da opere in ceramica con iscrizioni e simbologie scalfite alla maniera dei graffiti preistorici, a lavori pittorici e fotografici che richiamano l’archivio dei ‘Black Books’, ovvero quei carnets de voyage che l’artista porta da sempre con sé. In ogni opera è intrinseco il codice dei Graffiti, ambito artistico nel quale Paolo Zero-T è stato uno dei pionieri e rimane una delle personalità più valide e influenti. Il risultato è un transgenico distillato di modi operandi, tecniche e stili.
Displacement è la sintesi naturale, non solo visiva, delle caratteristiche estetiche delle origini dell’artista con quelle dei luoghi con cui è entrato in contatto, in uno scambio fluido e costante tra attitudine, visione e costruzione dell’opera. 

The title, Displacement, refers to the nomadic calling of the creative process of the artist capable of presenting works that contain the harmonious union of places, environments, and languages.
A nomadic probing through space and time with which the artist has contaminated his style. By pouring it into his works, along with the selection of materials, the work process, and attitudes hailing from various cultures and sub-cultures, Paolo Zero-T is able to create a solid and recognizable synergy.
Each work reflects the concept of symbolic and cultural contamination, which becomes a veritable method for artistic creation.
Structure, form, texture, dimensions, and portability are the primary dynamics that allow the style of Zero-T to dwell in unprecedented places of an ideal map, and to be transitory without becoming ephemeral.
His collection of work includes rugs woven in Nepal, African ebony wood sculptures, ceramics engraved with inscriptions and symbols like prehistoric graffiti, paintings and photographs that are reminiscent of the black books, or rather the travelogues, that the artist always carries with him. In all of his works, there is evidence of graffiti, the artistic scene in which Paolo Zero-T was a pioneer and still remains a point of reference. The result is a transgenic distillate of modi operandi, techniques, and styles.
Displacement is the natural synthesis, not only visual, of the esthetic characteristics of the origins of the artist and of the places he has come into contact with, in a constant and fluid exchange between attitude, vision, and realization of the work.

Bio
Paolo Zero-T nasce a Poggibonsi in Toscana nel 1968.
Visual artist e designer, la sua creatività si esprime attraverso pittura, fotografia, scultura, tipografia e interazioni tra forme e materiali.
Il suo percorso artistico comincia a metà degli anni Ottanta nella crew italiana CMC (Color Melodiez Combo) diventando uno dei pionieri del graffiti writing, disciplina per cui verrà riconosciuto come parte del collettivo internazionale TDS (The Death Squad), storica crew originaria di New York e attiva fin dagli anni Settanta.
È con la collaborazione con Slam Jam, azienda leader nella comunicazione e distribuzione di brand internazionali legati ai movimenti underground, cominciata nel 1989, che il talento e l’attitudine di Paolo Zero-T diventano importanti elementi di connessione tra moda e street culture.
L’artista ha infatti affiancato e coadiuvato fin da subito la visione di Luca Benini in quella che è stata la nascita di Slam Jam, sviluppando Combo, uno dei primi brand italiani di streetwear, fino a diventare l’art director del venticinquesimo anniversario dell’azienda, disegnandone in particolare il logo che ha siglato le produzioni di brand come Stussy, Carhartt, Head Porter, per nominarne alcuni.
In continuo movimento tra New York, Parigi e Tokyo, la sua produzione artistica vanta acquisizioni nella collezione permanente della Fondazione De Mitri e la presenza nella mostra collettiva THE BRIDGES OF GRAFFITI durante la Biennale dell’Arte di Venezia nel 2015. Oggi Paolo Zero-T presenta Displacement negli spazi della Galleria Patricia Armocida a Milano.

Paolo Zero-T was born in Poggibonsi, Tuscany in 1968.
Visual artist and designer, he expresses his creativity through painting, photography, sculpture, printing, and the interactions of forms and materials.
His artistic path begins in the mid ‘80s with the Italian crew CMC (Color Melodiez Combo), he becomes one of the pioneers of graffiti writing, the reason he is then accepted as a member of TDS (The Death Squad), a historic international crew from New York active since the ‘70s.
Thanks to the collaboration with Slam Jam, a leading company in the distribution of international brands associated with underground movements, beginning in 1989, Paolo Zero-T’s talent becomes an important link between fashion and street culture.
In fact, the artist partners with and assists Luca Benini’s vision in the birth of Slam Jam by developing Combo, one of the first Italian streetwear brands. He then becomes the art director of the company’s 25th anniversary, designing its logo featured on brands like Stussy, Carhartt, Head Porter, to name a few.
Constantly on the move between New York, Paris, and Tokyo, his artistic works belong to the permanent collection of Fondazione De Mitri and were part of the group exhibition THE BRIDGES OF GRAFFITI during the 2015 Venice Art Biennale. And now Paolo Zero-T will present Displacement at Galleria Patricia Armocida in Milan.

ACID BLEACH è la nuova personale dell’artista parigino di origini georgiane ALEXANDRE BAVARD in arte MOSA presentata da Avantgarden Gallery a Milano. 

Alexandre Bavard, formatosi all’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Lione, è da considerarsi un drammaturgo e un performer al tempo stesso, poiché tende a creare narrazioni che trascendono ogni mezzo e che si alimentano di ripetizioni, movimenti, flussi, azione. Le opere esposte si concentrano sulla pittura informale su tela trattata col metodo della scoloritura (Bleach), ma trovano espressione anche nella scultura in resina e cemento, nel video e nella performance. Nel lavoro di Alexandre l’allestimento espositivo diventa alla stregua di una scenografia teatrale distopica, a volte oscura, e lo spazio si trasforma attraverso lo sguardo di un esploratore del futuro. Traslando il punto di vista nel tempo, oggetti di uso comune, come abiti, copertoni, taniche, contenitori in plastica di ogni tipo, giocattoli, diventano i simboli dell’antropocene ripensati e rivisitati come i resti per una nuova archeologia di cui l’artista ci rende testimoni a priori. 

La creazione scenografica di Bavard negli spazi di Avantgarden riproduce una sorta di mondo perduto e distopico, che lui ama definire ‘wasteland’. Esso è fatto di reti, mattoni e materiali che lui stesso ha cercato e trovato lasciandosi ispirare dal ready-made delle location visitate in quella che possiamo definire alla stregua di una artist-in-residence milanese. Esploratore delle periferie, ricostruisce in galleria un’ambientazione che supera il concetto di tempo, la metropoli è scomparsa: non c’è più passato, né presente, né futuro. Lo spettatore si trova avvolto da una senso di perdita, una tabula rasa, il caos dei primordi, dove solo alcuni indizi gli ricordano chi è stato e dov’era. Le sculture in resina antropomorfe, ma dove l’umano biologico non c’è più ed è rimasto solo un simulacro (abiti, atteggiamenti e attitudini del nostro ‘essere stati’), sono tutto ciò che rimane di noi. Lo spettatore esplora il suo stesso mondo rimanendone estraneo. Tutto è da ricostruire, forse? Bavard sceglie la performance per rispondere al vuoto e all’immobile. Lobo, laboratorio multidisciplinare e d’avanguardia di artisti e psicologi, nato dalla mente di Virginia Roghi, da anni ricercatrice nella cultura underground, viene scelto proprio per attivare l’installazione e aggiungere suggestioni estetiche con creature che abitano la ‘wasteland’ bavardiana. Squarciano la scena i componenti di una tribù, divinità e semidei conquistano lo spazio proponendosi con tutta la loro attitudine anarchica, tipica di ogni ricostruzione libertaria, al di là del gender, al di là delle vecchie regole, al di là di ogni tricotomia uomo-donna-natura. Sofia Baldi, curatrice della performance che prende il titolo di People of Ruins, lavorando a stretto contatto con le visioni di Bavard, veste i personaggi della performance con gli abiti ‘bleached’ dall’artista stesso, chiudendo il cerchio sulle opere su tela portatrici di un misterioso messaggio dal futuro. 

Non è un caso che la ormai storica galleria milanese, che tratta da sempre artisti che hanno avuto e hanno tutt’ora a che fare con la street culture e l’underground, scelga un artista come Bavard. Col nome di MOSA, Alexandre vanta infatti un passato da writer. Non solo. Bavard ha ricodificato il writing donandogli una nuova vita. Il “Bulky” è un sistema di tracciamento del movimento generativo dalla tag. Questo sistema risponde a un desiderio primario di portare le tag nello spazio espositivo superando l’idea riduttiva di una trasposizione delle street tag sulla tela grazie a un processo di intellettualizzazione della calligrafia di strada e il ricorso alla danza. Mentre caratteri e pittura potrebbero limitarsi al supporto della tela, l’uso di coreografie di linguaggio corporeo è una risposta al movimento dell’arte urbana contemporanea. All’origine della Bulky performance c’è un desiderio di combinare diversi mezzi espressivi attraverso l’interazione fra calligrafia di strada, danza e creazione sonora. Questa scrittura del gesto si basa su una dinamizzazione e una riappropriazione dell’alfabeto georgiano, regione da cui proviene l’artista. 

ACID BLEACH is the new personal exhibition from the Paris-based artist of Georgian origin ALEXANDRE BAVARD aka MOSA at the Avantgarden Gallery, Milan. 

Educated at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts of Lyon, Alexandre Bavard can be seen as a playwright and performer simultaneously. His narratives transcend any specific medium and are fuelled by repetition, movement and flow. The range of artworks on display includes informal paintings on bleached canvas, resin and concrete sculptures, videos and performances. In Alexandre’s work, the exhibition set-up becomes a dystopian scenic design, at times dark, while the gallery is transformed through the eyes of an explorer of the future. This way, common objects such as clothes, tyres, jerry cans, plastic containers of any kind, and toys, turn into symbols of the anthropocene and are rethought and revisited as remains for a neo-archaeology the artist makes us witness of a priori.

Bavard’s scenography recreates a sort of lost and dystopian world inside the Avantgarde Gallery. ‘Wasteland’, as he loves to call this world, is made of nets, bricks and other materials he has looked for and found, drawing inspiration from readymades available in areas that he has visited during what can be seen as his artist residency in Milan. Alexandre is an explorer of peripheries. His exhibition set-up in the gallery makes the concept of time dissolve, while the metropole vanishes: there is no more past, present or future. Onlookers are surrounded by a sense of loss, a tabula rasa, the primordial chaos, and only a few signs remind them who they have been and where they are from. Anthropomorphic resin statues deprived of life and only displaying simulacra (clothes, attitudes and aptitudes of our ‘having been’), are all that is left of us. Spectators are exposed to their own world but are foreign to it. Maybe everything has to be reconstructed? Bavard opts for the performance to respond to emptiness and immobility. A multidisciplinary, avant-garde workshop of artists and psychologists, devised by Virginia Roghi, a major specialist in underground culture, Lobo is chosen to activate the installation and stimulate aesthetic imagination through creatures that inhabit the Bavardian ‘wasteland’. Members of a tribe burst into the scene, deities and demigods occupy the space with all their anarchic attitude, typical of any libertarian reconstruction, beyond gender and old rules, beyond any trichotomy man-woman-nature. Engaging in conversation with Bavard’s visions, Sofia Baldi, the curator of this performance, titled People of Ruins, dresses her characters with clothes that were ‘bleached’ by the artist himself, thus bringing us back to his canvases and their mysterious message from the future.

It comes as no surprise that the now-historic Milanese gallery, which has always collaborated with artists having a close relationship with street culture and underground, has chosen an artist such as Bavard. Under the name of MOSA, Alexandre has a past as a writer. Not only. Bavard has recodified and given new life to the writing. The “Bulky” is a system of notation of the movement generated by tags. This system responds to a primary desire to bring the tag into the exhibition space. It transcends the reductive idea of transposing the street tag to the canvas through a process of intellectualization of street calligraphy and by resorting to dance. Where lettering or painting could be limited to the canvas, the use of choreographed body language is an answer to the movement of contemporary urban art. The Bulky performance is the outcome of a desire to combine several mediums of expression through the interaction between street calligraphy, dance and sound creation. This writing of gesture is based on a dynamisation and appropriation of the Georgian alphabet, the region where the artist comes from.

Gli intellettuali, grazie alla loro preparazione, sono in grado di denunciare le menzogne dei governi, di analizzare l’operato in rapporto alle cause, alle motivazioni, alle intenzioni riposte, essi hanno la forza che deriva dalla libertà politica, dall’accesso alle informazioni, dalla libertà di parola.
Noam Chomsky – Linguaggio e libertà, 1987

I cittadini delle società democratiche dovrebbero impegnarsi in un lavoro di autodifesa intellettuale per proteggersi dalla manipolazione e dal controllo e per gettare le basi di una democrazia più significativa.
Noam Chomsky – Illusioni necessarie, 1990

//NO FONT ((CODEX)(… 3.0 è la terza edizione di uno dei più interessanti progetti autoritari portati avanti negli anni dalla galleria milanese Avantgarden Gallery.Il progetto collettivo ha chiamato, nelle due precedenti edizioni, e chiama oggi a raccolta una selezione tra i più talentuosi artisti che pongono al centro del loro lavoro la lettera.
Importanti calligrafi e artisti che arrivano dal Writing sono stati invitati a trovare l’ispirazione del messaggio, comunicato attraverso il mezzo calligrafico, dal lavoro del Professor Noam Chomsky.I suoi testi, le sue visioni e, in particolare, il suo pensiero sul potere e sull’uso dei media per la sua gestione, sono diventati il filo rosso della linea curatoriale del progetto nelle sue tre edizioni.
Inoltre, grazie a un serrato scambio di mail tra il gallerista e curatore Manfredi Brunelli Bonetti e il Professor Chomsky stesso, che ha definito //NO FONT ((CODEX)(… “a remarkable idea”, possiamo, con tutto l’orgoglio possibile, nominarlo come reale padre spirituale dell’intero progetto.
Siamo in un tempo, in cui le verità illusorie e il consenso si costruiscono e si fanno circolare con estrema facilità attraverso l’intrusività dei social media. Su tutti, i fatti legati all’attività di “comunicazione” dell’agenzia Cambridge analytica hanno aperto una nuova era per quanto riguarda lo spostamento del consenso riguardo a sensibili questioni politiche.I social permettono uno speciale e approfondito studio del pubblico e in particolare sono in grado di costruire gruppi di cittadini che con il loro assenso o dissenso, se pilotati ad hoc, possono arrivare paradossalmente a decidere il destino di noi tutti su argomenti di larghissima scala.Secondo Noam Chomsky “i cittadini delle società democratiche dovrebbero seguire un corso di autodifesa intellettuale per evitare le manipolazioni e il controllo”.
Il Professore nei suoi scritti ci invita più e più volte a rivisitare il ruolo degli intellettuali, del linguaggio e della comunicazione nel rapporto fra cittadini (noi) e il potere. Chi costruisce le nostre verità illusorie, con quali mezzi e perché? E al contrario, chi è in grado di smascherare tali verità illusorie, quali dovrebbero essere i mezzi e i protagonisti in grado di liberarci da queste illusioni?
È proprio su questo punto, su questo nuovo concetto di ‘verità’, illusoria, mistificata, virale, che viaggia in superficie, toccando tasti che hanno più a che vedere con i bassi istinti che non sull’altezza dell’intelletto e sulla fatica della ricerca, che //NO FONT ((CODEX)(… 3.0 porta l’attenzione.
Non solo.Focalizzandosi sulla riflessione sul ruolo che gli intellettuali debbano rivestire oggi, quello cioè di combattere contro illusioni consolatorie, questa collettiva cade a pennello come proposta concreta e forte, che rinnova, ancora una volta, la storica mission di Avantgarden Gallery, quella di custodire, presentare e diffondere progetti che siano in primo luogo culturali e legati strettamente alla contemporaneità.
Dopo lo scambio epistolare col Professore, per //NO FONT ((CODEX)(… 3.0 sono stati scelti, ispirati anche dai testi “Illusioni necessarie – mass media e democrazia” e da “Linguaggio e libertà – dietro la maschera dell’ideologia”, 10 parole chiave o lemmi, che fornissero agli artisti 10 concetti su cui è possibile ricostruire un grido di risveglio delle coscienze attraverso la lettera calligrafica.
Conoscendo i meccanismi comunicativi e i punti sensibili su cui ‘le nuove verità’ si costruiscono è possibile capire come una verità illusoria può essere mascherata, resa virale e socialmente accettabile, ma anche e soprattutto come possa essere, al contrario, smascherata, e resa collettivamente inaccettabile.
Verità, Potere, Illusione mediatica, Autodifesa intellettuale, Controllo ideologico, Consapevolezza, Coscienza collettiva, Social Media, Manipolazione e Democrazia, sono i 10 concetti che strisciano attraverso la proposta artistica di //NO FONT ((CODEX)(… 3.0, e l’invito, come sempre, non è solo quello di partecipare dell’opera del singolo artista, ma di leggere e sentire il grido di allarme che tutti insieme gli artisti coinvolti stanno regalando alle nostre coscienze.

Citizens of the democratic societies should undertake a course of intellectual self-defense to protect themselves from manipulation and control, and to lay the basis for more meaningful democracy.
Noam Chomsky – Necessary Illusions, 1990

//NO FONT ((CODEX)(… 3.0 is the third edition of one of the most interesting signature projects developed over the years by the Avantgarden Gallery in Milan.As in its two previous editions, this collective project gathers a selection of some of the most talented artists that focus their work on the letter.
Important calligraphers and artists from the field of Writing have been invited to draw inspiration from the message Professor Noam Chomsky’s work communicates through calligraphy.His texts and visions, and especially his thoughts on power and the use of media for managing it, have become the common thread in curating this project over its three editions.
Furthermore, thanks to an intense exchange of emails between Manfredi Brunelli Bonetti, gallery manager and curator, and Professor Chomsky himself, who defined //NO FONT ((CODEX)(… “a remarkable idea”, we can proudly designate him as the true spiritual father of the entire project.
We live in times when illusory truths and consensus are built and circulate with great ease on intrusive social media.Above all, the facts linked to the “communications” of Cambridge Analytica marked a new era of shifting consensus of sensitive political questions.Social media allow special, in-depth study of audiences, not only because they are able to create groups of citizens who, if they are specifically steered, can paradoxically decide the fate of us all on a vast scale with their consent or dissent.According to Noam Chomsky, “citizens of the democratic societies should undertake a course of intellectual self-defense to protect themselves from manipulation and control”.
In his writings, the Professor continuously invites us to reconsider the role intellectuals, language and communication play in the relationship between citizens (us) and power. Who creates our illusory truths, with what means and why?On the other hand, who is able to reveal these illusive truths, and what protagonists and means should be able to free us from them?
It is precisely this new concept of “truth”, illusory, mystified, viral, that runs on the surface, pushing buttons that have more to do with basic instincts than high intellect and diligent research, that //NO FONT ((CODEX)(… 3.0 brings our attention to.
That’s not all.Reflecting on the role intellectuals should play today, which is to fight against consolatory illusions, this timely collective exhibit is a strong, solid proposal that once again renews the historic mission of Avantgarden Gallery: to safeguard, present and disseminate projects that are primarily cultural and closely linked to the contemporary world.
After the epistolary exchange with the Professor, 10 key words or lemmas inspired by the texts “Necessary Illusions – Thought Control in Democratic Societies” and “Language and Freedom” were chosen for //NO FONT ((CODEX)(… 3.0.These words provided artists with 10 concepts they could use to generate a cry to awaken people’s consciences through calligraphic works.
Knowledge of the communicative mechanisms and sensitive points that “new truths” are built upon allows us to understand how an illusory truth can be concealed, made viral and socially acceptable, but especially how it can instead be exposed and made collectively unacceptable.
Truth, Power, Media Illusion, Intellectual self-defense, Ideological control, Awareness, Collective conscience, Social Media, Manipulation, and Democracy are the 10 concepts that extend across the artistic proposal of //NO FONT ((CODEX)(… 3.0.
As always, we not only invite you to participate in the work of each artist, but to read and hear the cry of alarm that all the artists involved are sending to our consciences.

Il potere si serve del linguaggio per controllarci, ma se noi possediamo la lettera, siamo padroni del nostro destino.
Rammellzee, New York – 1980

//NO FONT ((CODEX)(… 2.0 è la seconda edizione di una delle più interessanti mostre dello scorso anno a Milano, una collettiva che pone al centro del messaggio il mezzo calligrafico.
Con questa nuova edizione di //NO FONT ((CODEX)(…, Avantgarden Gallery vanta la presenza dei lavori di altri selezionatissimi artisti provenienti dall’ambito calligrafico internazionale, per citarne alcuni, Chaz, maestro del Cholo di Los Angeles, Cryptik, creatore di incredibili mandala ed esponente calligrafo dalle influenze asiatiche, Luca Barcellona, calligrafo milanese di fama internazionale, Skki, artista a 360 gradi e writer di concetto.
La calligrafia si sta costruendo un nuovo pubblico. Sempre più protagonista, è in grado di attirare a sé attenzione e ascolto. Sì, perché con la calligrafia si parla e si portano in chiaro contenuti condivisibili. Se ogni mezzo non è mai neutrale (The Medium is the Massage. An inventory of effects. di Marshall McLuhan), forse la calligrafia è il mezzo che più profondamente incarna il messaggio che sta portando. Da sempre.
Nel mio testo della prima edizione vi era una citazione di Rammellzee, artista visivo e performer newyorkese legato alla corrente del Graffiti, che riportiamo perché è il ponte narrativo tra le due edizioni di //NO FONT ((CODEX)(…: “Il potere si serve del linguaggio per controllarci, ma se noi possediamo la lettera, siamo padroni del nostro destino”.La lettera, il simbolo, permettono al contenuto di diventare reale attraverso il segno, un segno che se messo in mano a un calligrafo (o a un writer) può diventare il contenuto stesso, potente e chiaro. In questa edizione 2.0, Avantgarden Gallery riesce a portare in mostra proprio uno dei lavori dell’artista newyorkese.Rammellzee, da padrino teorico della prima edizione, trova presenza in questa edizione della mostra con una delle sue grafiche. Passeggiando per la mostra sarà totalizzante cogliere la suggestiva connessione artistica e concettuale che il lavoro di Rammellzee è capace di creare con i lavori dei nuovi ospiti chiamati proprio ad approfondire quella possibile rappresentazione del potere.
Forti della prima edizione, anche per //NO FONT ((CODEX)(… 2.0 ci si rifà nuovamente al lavoro di Noam Chomsky, questa volta alle prese con il concetto di potere.
Secondo Noam Chomsky il potere si regola su 10 leggi, le 10 leggi del potere appunto e, per //NO FONT ((CODEX)(…2.0 , Avantgarden Gallery ha invitato le personalità artistiche a lasciarsi liberamente ispirare da 10 concetti chiave estrapolati proprio dal lavoro del filosofo del linguaggio più importante della storia del Novecento, nel suo incontro/scontro con il concetto di potere.
Ideologia, democrazia, economia, denaro, popolo, solidarietà, controllo, elezioni, ricchi contro poveri, consenso, sono i concetti, i lemmi, le visioni con cui ogni artista ha trovato connessioni e possibilità rappresentative perché è proprio dalla declinazione di questi 10 concetti che nasce, si sviluppa, si rafforza e si concretizza l’idea di potere nelle pratiche politiche ed economiche della società in cui stiamo vivendo.Attraverso le opere esposte è immediato, ma allo stesso tempo criptato, il riconoscimento di ciò che viene rappresentato. Più immediato è, e più sono attive le connessioni che lo spettatore riesce a innescare in modo naturale e istintivo con il lavoro dell’artista. La calligrafia ha una ‘lettura’ codificata e multilivello. Si può ‘leggere’ e si può ‘sentire’. Ed è proprio questa l’esperienza a cui //NO FONT ((CODEX)(… 2.0 vi sta invitando, a percepire come il potere possa permeare il nostro vissuto diventando segno riconoscibile o no se il vissuto prende pieghe di inaspettata condivisione.
Conoscendo i meccanismi su cui il potere si costruisce è possibile capire come usarlo, come coltivarlo, come appoggiarlo, ma anche come distruggerlo. Ogni concetto scelto e analizzato, com’è facile capire, è declinabile nelle due direzioni opposte: al servizio del potere o, al contrario, in funzione di distruggerlo. Sentire il segno è come schierarsi, a volte attraverso una scelta razionale, a volte di pancia.

Power uses language to control us, but if we possess the letter, we are masters of our own destiny.
Rammellzee, New York – 1980

//NO FONT ((CODEX)(… 2.0 is the second edition of one of last year’s most interesting exhibitions in Milan, a group show that puts the medium of calligraphy at the centre of its message.

With this new edition of //NO FONT ((CODEX)(… Avantgarden Gallery is proud to present works by more selected artists from the international scene of calligraphy, including Chaz, a master of the Los Angeles Cholo; Cryptik, a creator of incredible mandalas and calligrapher with Asian influences; Luca Barcellona, an internationally renowned calligrapher from Milan; Skki, an all-round artist and concept writer.

Calligraphy is building a new audience. It is increasingly a protagonist that can draw attention and make people listen to it. This is because with calligraphy, the artist speaks and produces clear, shareable content. Though no medium is ever neutral (The Medium is the Massage, An Inventory of Effects, by Marshall McLuhan), calligraphy may be the medium that most profoundly embodies the message it is carrying. And it always has been.

In my text for the first edition there was a quote by Rammellzee, a New York visual artist and performer linked to the Graffiti movement. We quote him here because he is the narrative bridge between the two editions of //NO FONT ((CODEX)(…: “Power uses language to control us, but if we possess the letter, we are masters of our own destiny”.The letter, the symbol, allows content to become real through the sign, a sign that if put in the hands of a calligrapher (or a writer) can become the content itself, powerful and clear. In this 2.0 edition, Avantgarden Gallery will show one of the New York artist’s works. Rammellzee is the theoretical godfather of the first edition, and this time round is represented with one of his graphics. Walking through the exhibition, it will be totally absorbing to grasp the evocative artistic and conceptual connection that Rammellzee’s piece is able to create with the works of the new guests, who have been invited to explore that possible representation of power. 

Building on the strength of the first edition, //NO FONT ((CODEX)(… 2.0 once again draws on the work of Noam Chomsky, this time dealing with the concept of power.According to Noam Chomsky, power is governed by 10 laws, the 10 laws of power, and for //NO FONT ((CODEX)(… 2.0 , Avantgarden Gallery has invited artists to be freely inspired by 10 key concepts extrapolated from the work of the most important philosopher of language in the history of the 20th century, in his encounter/clash with the concept of power.

Ideology, democracy, economics, money, the people, solidarity, control, elections, rich against poor, consensus: these are the concepts, the headwords, the visions with which each artist has found connections and representational possibilities, because it is precisely from the declination of these 10 concepts that the idea of power is born, develops, strengthens and becomes concrete in the political and economic practices of the society we are living in.Through the works on display, the recognition of what is represented is immediate, but at the same time encrypted. The more immediate it is, the more active the connections are that the viewer is able to trigger naturally and instinctively with the artist’s work. Calligraphy has a codified and multilevel ‘reading’. You can ‘read’ and ‘feel’ it. And this is precisely the experience //NO FONT ((CODEX)(… 2.0 is inviting you to: to perceive how power can permeate our experience, becoming a recognisable sign, or not, if the experience takes on unexpectedly shared characteristics.

Knowing the mechanisms power is built on, it is possible to understand how to use, cultivate and support it, but also how to destroy it. Each concept that is chosen and analysed, as we may easily understand, can be declined in two opposite directions: at the service of power or, on the contrary, aimed at destroying it. Feeling the sign is like taking sides, sometimes through a rational choice, other times based on your instincts.

Avantgarden Gallery compie 10 anni di attività. La galleria, rinomata nel promuovere una cultura d’avanguardia che sta trovando sempre più spazio anche in Italia, presenta PERCEPTUAL VERTIGO, mostra collettiva di un trio internazionale d’eccellenza: CT, ELIAN CHALI e JAN KALAB.
I tre artisti sono attivi in tutto il mondo e il loro lavoro, maturato negli anni, ha conquistato estrema popolarità, assegnando alle tre individualità un ruolo fondamentale nello sviluppo e nel riconoscimento della street art globale e non solo.
CT, ELIAN CHALI e JAN KALAB provengono dal graffiti writing ma hanno intrapreso un percorso artistico che li ha portati lontano, verso una sintesi grafica e cromatica del segno, che è allo stesso tempo asciutta e prepotentemente profonda e seduttiva. Allontanandosi da quella che poteva essere definita “leggibilità” della lettera, attraverso lo studio e dunque la proposta della pura forma astratta, il lavoro dei tre artisti mantiene la forza espressiva di un’arte che nasce storicamente e trae ispirazione dalla strada e dalle visioni che solo un paesaggio (in)contaminato può instillare in chi lo vive o lo ha vissuto, creando allo stesso tempo dispositivi artistici e intellettuali capaci di andare oltre alla questione writing/streetart vs contemporaryart.
Avantgarden Gallery, riconoscendo nei tre le radici del puro segno ognuno caratterizzato da sintassi e grammatiche proprie, propone ai tre artisti un’indagine dall’inclinazione metafisica che ci riporta alla natura fondamentale della forma, alla sua tensione interna, ponendoci in “ascolto” del suo sottofondo invisibile.
CT, ELIAN CHALI e JAN KALAB propongono, negli spazi della galleria, interventi site-specific che, come afferma il gallerista Manfredi Brunelli Bonetti, “sono d’ispirazione a un Kandinsky contemporaneo, in cui vengono enfatizzati punto, linea e superficie”. Con Punto Linea Superficie, Wassili Kandinsky propose, nel 1926, la costruzione delle basi di una nuova scienza dell’arte. Nel libro, attraverso un approccio che si avvicina a quello scientifico e matematico, l’atto creativo irrazionale viene affiancato da un’ordine di tipo estetico che si ritrova anche nell’architettura e nel design, nonché nella musica sinestetica di Aleksandr Skrijabin, ordine che ritroviamo nell’espressione artistica dei tre protagonisti di PERCEPTUAL VERTIGO.
Non solo. Nel lavoro dei tre artisti sembra strisciante e presente tutta la storia dell’astrattismo, dall’enfasi di Kandinsky nelle cui forme è facile riconoscere indizi nel lavoro di tutti e tre gli artisti, passando per il neoplasticismo riconoscibile nell’approccio di CT, per lo spazialismo individuabile soprattutto nei lavori di JAN KALAB, ma anche per l’arte cinetica visibile nello studio delle illusioni prospettiche utilizzate da ELIAN CHALI nei suoi lavori site-specific. Si tratta di artisti ormai divenuti radicali nei loro interventi site-specific, che trasformano lo spazio, domandolo e mai dominandolo. Il segno diventa ipnotico, grazie anche alla dimestichezza che i tre hanno con la terza dimensione, alla stregua di un’illusione ottica che invita a un inedito e programmato viaggio percettivo.
PERCEPTUAL VERTIGO è quindi una vertigine percettiva, guidata da un mantra cromatico, una vertigine “controllata” dalla capacità dei tre artisti di “aprire” lo spazio fisico anche all’illusione e alla virtualità. Ne sono esempio le intersuperfici di JAN KALAB e la gestione della prospettiva degli interventi di ELIAN CHALI, nonché gli intrecci delle campiture monocromatiche di CT affiancate a immagini fotografiche evocative di estremo realismo. Ogni opera esposta parte dal superamento dell’oggetto preesistente per creare forme pure, bidimensionali e geometriche, ma allo stesso tempo attiva una vertigine. Ogni opera esposta è quindi un dispositivo in grado di azionare esperienze che sono insieme di perdita e riacquisizione di equilibri percettivi indotti, si ha infatti la possibilità di entrare nell’opera, di divenirne parte attiva, di viverne con tutti i sensi la pulsazione che ci regala e di rientrare nell’equilibrio geometrico guidati dalla stessa esperienza visiva che ci aveva trasportati nella vertigine.
PERCEPTUAL VERTIGO è una mostra che ben rappresenta le radici underground dei tre artisti protagonisti, in linea con il senso del colore e il gusto raffinato per le geometrie minimaliste che caratterizza l’intera ricerca artistica e curatoriale della galleria.

Avantgarden Gallery is celebrating 10 years of business. The gallery, reknown for promoting the avantgarde culture which is gaining more and more recognition in Italy presents PERCEPTUAL VERTIGO – a collective exhibition by an outstanding international trio: CT, ELIAN CHALI and JAN KALAB.
The three artists are active around the globe and their work has matured over the years becoming extremely popular and giving them a fundamental role in the development and recognition of global street art and the like.
CT, ELIAN CHALI and JAN KALAB began with graffiti writing but they have all embarked on an artistic path that has led them far, enabling them to achieve a graphic and chromatic synthesis of the sign which is both stark yet powerfully profound and seductive. Straying from what could have been defined as the “readability” of the letter through the study and the proposal of the pure abstract form, the work of the three artists maintains the expressive strength of an historically relevant form of art which is inspired by the streets and the visions that only (in)contaminated landscapes can instil in those who live it or have lived it. This creates artistic and intellectual devices that are able to go beyond the matter of Writing/Street art vs contemporary art.
Recognising the roots of the uncontaminated signs, each of which is characterized by its own syntax and grammar, Avantgarden Gallery proposed that the three artists carry out a study of the metaphysical inclination that takes us back to the fundamental nature of the shape and of its internal tension, suggesting that we “listen” to its invisible substratum.
Within the gallery, CT, ELIAN CHALI and JAN KALAB propose site-specific works which the gallery owner, Manfredi Brunelli Bonetti states “are inspired by a contemporary Kandinsky, in which the point and line and plane are emphasized” . With Point and line to Plane, in 1926, Wassili Kandinsky proposed the construction on the groundwork of a new science of art. In the book, through an approach that is almost scientific and mathematical, the act of irrational creativity is put alongside an aesthetic order which can also be found in architecture, design and in Aleksandr Skrijabin’s synesthetic music. We can note this order in the artistic expression of the three protagonists of PERCEPTUAL VERTIGO.
There’s more. The entire history of abstractism seems to thread its way through the works of the three. It is easy to recognise hints of Kandinsky’s emphasis on shapes in the work of all three artists – from the recognisable neoplasticism in CT’s approach, to the individable spatialism that we find mainly in JAN KALAB’s works, to the kinetic art that we see in the study of the perspective illusions used by ELIAN CHALI in his site-specific works. We are dealing with artists who have, by now, become radical in their site-specific interventions, transforming space – taming it but never dominating it. The sign becomes hypnotic thanks to the familiarity the three artists have with the third dimension and but also due to the way in which an optical illusion entices us to head off on an inedited and planned perceptive journey.
PERCEPTUAL VERTIGO is guided by a chromatic mantra – a dizziness “controlled” by the three artists’ ability to “open” a physical space to illusions and virtuality. Examples of this are JAN KALAB’s intersurfaces , the way ELIAN CHALI’s works manage perspectives, and CT’s woven monochromatic backgrounds alongside evocative photographic images of extreme realism. Each exhibit begins by overcoming the pre-existant object to create uncontaminated, biodimensional and geometric shapes while triggering vertigo. Each work on show is a device that can activate experiences that are a combination of loss and reacquisition of induced perceptive balance. You can enter into the exhibits and become an active part of them, feeling the pulsations caused by the works with all of your senses and becoming at one with the guided geometric balance created by the visual experience that leads you to vertigo.
PERCEPTUAL VERTIGO is an exhibition that successfullty represents the underground roots of the three protagonists, remaining in line with the sense of colour and the refined taste for minimalist geometry that characterizes the entire artistic and curatorial research of the gallery.

Siamo in un tempo di controllo collettivo.L’illusione di avere in mano mezzi di comunicazione gestibili e controllati esclusivamente da noi sta piano piano, e finalmente, tramontando.  Forze politiche e religiose hanno contaminato un spazio che era nato libero e democratico. Il sogno utopico di una anarchia comunicativa pulita e autoregolata dove ogni voce poteva essere nostra è tramontato, dato in pasto alle solite dinamiche di manipolazione e potere.  Il web 2.0, ovvero quello spazio metafisico dove deporre e far circolare il libero messaggio che era di tutti, è morto e i nuovi assetti del potere mediatico a cui ognuno è, suo malgrado e senza essere passato dalla consapevolezza di una scelta razionale, assoggettato, si fanno sempre più visibili e riconoscibili, a tutti. Le metodologie sono quelle della comunicazione commerciale, della filmografia da impatto estremo, quelle dei bassi istinti, dove il pensiero, se ancora riesce a volare, vola basso, rasoterra.Il terrore, il sensazionalismo, l’ipersemplificazione, la generalizzazione, l’inutile e continuo brusio che distrae, stanno livellando ogni tipo di informazione per raggiungere soltanto la nostra pochezza. Anche se i mezzi non sono gli stessi, le regole e le metodologie della manipolazione non sono cambiate; è per questo che Avantgarden Gallery chiede a un gruppo di calligrafi di respiro internazionale un gradito grido di avvertimento attraverso la rielaborazione delle 10 strategie elaborate da Noam Chomsky sul controllo collettivo attraverso i mass-media.Avantgarden propone una mostra che ci faccia tornare alle origini del messaggio, ripartendo dalla lettera. Con  // NO FONT  ((CODEX)…, quindi, si porta il focus al nucleo del discorso, per un potente ritorno a una tabula rasa di purezza, su cui poter tornare a scrivere, rinnovati e senza il peso dell’omologazione.Nel 1980 Rammellzee, artista visivo e performer newyorkese legato alla corrente graffiti, disse: “Il potere si serve del linguaggio per controllarci, ma se noi possediamo la lettera, siamo padroni del nostro destino”. Il lavoro compiuto alle origini dei graffiti si afferma passando dalle tags alla lettera, con lo scopo di trasfigurarne la struttura, per impedire al potere di riconoscerla. La digitalizzazione delle piattaforme espressive popolari ha come soffocato il potere che il segno fisico, disegnato, ha di essere trasfigurato e reso irriconoscibile, ma se pensiamo al potere della crittazione dei codici abbiamo, senza ombra di dubbio, sciolto l’arcano, riattualizzandolo. Quando la lettera diventa immagine, perde quasi la sua leggibilità e diventa entità pittorica, come il codice, una volta ricreate e rinnovate le regole combinatorie dei caratteri digitali, crea nuovi percorsi semiotici.Calligrafia come crittazione è la sfida che Avantgarden lancia ai suoi 10 artisti per la creazione di nuovi codici, per un rimescolamento del segno che riporti a galla solo la purezza del messaggio e di chi vuole assorbirlo, con coscienza, in una sorta di invito, sia per il contenuto, le 10 regole di Chomsky, sia nella costruzione della forma, a una sensata e attualmente necessaria scrematura dall’overflow comunicativo a cui siamo, ormai esausti, tutti sottoposti da anni. Ma c’è di più. Noam Chomsky non ha mai riconosciuto la paternità delle 10 regole. Che sia un’altra rielaborazione mediatica arrivata e virilizzata dal web? L’informazione è diventata estremamente ed estraneamente liquida e confondente. Il messaggio si trasfigura e la linea diventa sia concetto che mezzo. Ogni artista è chiamato, quindi, a interpretare la lista di Chomsky delle 10 strategie, a sceglierne la lingua, a rielaborarla nel suo stile. L’effetto sarà quello di portare lo spettatore a fare di nuovo i conti con la sua autonomia di giudizio e allo sforzo di riconoscere nello stile e nella regola quelle linee che costruiranno il messaggio creato appositamente per rinnovare la sua consapevolezza intellettuale.

We are in a period of collective control.
The illusion of holding means of communication that are managed and controlled only by us is slowly, and finally, fading.  Political and religious forces have contaminated a space which was once free and democratic, the utopian dream of a clean and self-regulated communicative anarchy where each voice could have been ours has faded, ruined by the usual dynamics of manipulation and power.  The web 2.0 , or rather the metaphysical space where liberal messages of the people were set free to roam, is dead.  The new structures of mediatic power to which everyone is, unwillingly and without being offered a conscious and rational choice, subjected are more and more visible and recognisable to everyone.
The methodologies are those of commercial communication, from filmography of extreme impact, those of low instincts, where thoughts, if allowed to fly, fly low – almost touching the ground.  The fear, the sensationalism, the hyper-semplification and the generalisation, the useless and continuous hum that distracts us, are leveling every kind of information  just in order to reach our smallness.  Even if the means are different, the rules and methodologies of manipulation haven’t changed; this is why Avantgarden Gallery has asked a group of calligraphers of international appeal for their much appreciated cry of warning through the re-elaboration of the 10 strategies elaborated by Noam Chomsky on collective control by the mass-media.  
Avantgarden proposes an exhibition that will take us back to the origins of the message, starting from the letter.  
With // NO FONT  ((CODEX)…, therefore, focus is brought to the nucleus of the matter, for a potent return to a pure blank slate, on which we can write once more, renewed and without the burden of homologation.  
In 1980 Rammellzee, a visual artist and performer from New York who is linked with present-day graffiti, said “ Power makes use of language to control us, but if we have the letter, we are the masters of our own fate”.  The work carried out at the origins of graffiti is affirmed by passing from tags to letters, with the purpose of transfiguring the structure, to prevent the power from recognising it.  The digitalisation of the popular expressive platforms has seemingly suffocated the power that the physical sign, drawn, has to be transfigured and made unrecognisable.  If we think of the encryptment of codes, we have, without a doubt, solved the mystery – bringing it up to date.  When the letter becomes an image, it nearly loses it’s legibility and it becomes a picturesque entity, like a code, once it is recreated and the combined rules of the digital characters have been renewed, it creates new semiotic paths.  Calligraphy, just like encryption, is the challenge that Avantgarden has set its 10 artists for the creation of new codes, for a shuffling of the sign that will bring to the surface only the pureness of the message and that of whoever wants to absorb it, with awareness, in a kind of invitation, both for the contents, the 10 rules of Chomsky, and in the construction of the shape, to a sensible and actually necessary skimming of the communicative overflow of which we are, by now, exhausted after having been exposed to it for so many years.
But there is more. Noam Chomsky has never recognised the paternity of the 10 rules.  Is it another mediatic re-elaboration that has infected the web?  The information has become extremely, and strangely, fluid and confusing.  The message is transfigured and the line becomes both the concept and the means.  Each artist has therefore been asked to interpret Chomsky’s list of 10 strategies, to choose a language and to re-elaborate it in their own personal style.  The effect will make the spectator re-consider their ability to judge, and to recognise within the style and the rules, those lines that will construct the message that has been deliberately created to renew their intellectual awareness.

One man show di uno dei maestri del movimento dei graffiti.
https://vimeo.com/163486921

Avantgarden Gallery presenta “Now and Later”, per la prima volta a Milano la personale di Chris Ellis, noto con la tag: Daze e riconosciuto come uno dei maestri del movimento dei graffiti.
Daze ha iniziato come writer nella New York degli anni ’70 mentre frequentava la Scuola Superiore di Arte e Design. I suoi graffiti hanno connotato il territorio urbano di quegli anni, dai muri ai treni ai vagoni delle metropolitane.
Le opere di Daze sono come fotoromanzi comici, animati da figure inquietanti e ironiche. L’artista, ispirandosi ai sobborghi alienanti e poveri della sua città ha ritratto prostitute, poliziotti, artisti e musicisti che popolavano le strade della New York di quegli anni. In seguito Daze ha esteso la sua visione artistica oltre la strada e ha vissuto con successo la transizione dalle metropolitane allo studio; negli anni novanta troviamo le sue opere nelle gallerie di tutto il mondo. La sua prima mostra collettiva è stata “Beyond Words”, presso il Mudd Club di New York nel 1981, esponendo insieme a maestri come  Jean Michel Basquiat e Keith Haring. La sua prima mostra personale si è tenuta un anno dopo, nel 1982 a Fashion Moda, una galleria nel Bronx. Da allora ha avuto innumerevoli mostre personali in svariate città come Montecarlo, Hong Kong, Parigi, New York, Pechino, Chicago e Singapore. 
Un motivo ricorrente nelle opere di Daze è l’occhio umano, rappresentato con una pittura gestuale, dal significato mutevole in ogni opera. In alcuni casi suggerisce uno stato onirico della mente, dove tutto può essere immaginato, in altri casi è un simbolo che permette di scrutare il passato o le possibilità del futuro. Nella mostra di Milano ci saranno quadri realizzati da una stratificazione di immagini tratte dal lessico personale di Daze, frammenti di lettere che riportano ai primi anni di pittura metropolitana e alla sua capacità di fondere il lettering con l’immagine che rappresenta una sorta di firma dell’artista. Nell’arco di svariati anni Daze ha anche portato a termine molti progetti di arte pubblica, tra cui il completamento di un murale per lo Star Terminal dei traghetti di Hong Kong, la progettazione e realizzazione dell’intero arredo della stazione ferroviaria di Hannover, in Germania, al fianco di altri artisti come Lee Quinones e Crash ed un murale per il centro commerciale Vivo City a Singapore. 
Le opere di Daze sono in musei come il MoMa di New York, il Brooklyn Museum, il New York City Museum, il Groninger Museum in Olanda, il Museo Ludwig di Aachen, Germania, Smithsonian National Museum for African American History and Culture, Washington, DC e nelle più importanti collezioni private come quelle di Madonna e di Eric Clapton.
Non solo, la sua figura artistica compare in due film di riferimento per quanto riguarda la cultura hip hop e la corrente dei graffiti: “Wild Style” 1888, diretto da Charlie Ahearn e “Style Wars”, 1981, diretto da Henry Chalfont and Tony Silvers.Daze è menzionato anche in bestsellers che raccontano le origini della Street Art e approfondiscono le figure che l’hanno generata, tra questi: “Subway Art” di Henry Chalfant e Martha Cooper, 1984;”Spray Can Art” di Henry Chalfant e James Prigoff, 1987; “Subway Graffiti” di Thomas Christ, 1983; “Wild Style” Tokyo Japan, 1983, diretto da Charlie Ahearn. Dopo la mostra personale a Palazzo Pepoli a Bologna e questa tappa milanese, a giugno presenterà il libro “Dazeworld” edito da Schiffer Publishing.

One man show of one of the masters of the graffiti movement.
Avantgarden Gallery presents, for the first time in Milan, “Now and Later”, by Chris Ellis, known by the tag Daze and considered as one of the masters of the graffiti movement.
Daze started as a writer in New York in the 70’s, while attending the High School of Art and Design. His graffiti works have characterized the urban territory of those years, from walls to trains and to metro wagons.
Daze’s works are like comic picture stories, animated by disturbing and ironic figures. The artist, inspired by alienating suburbs and poor people of his city, portrayed prostitutes, policemen, artists and musicians who populated New York streets of those years.
Later Daze has extended his artistic vision beyond the road and lived a successful transition from the metropolitan to the studio (atelier ?); in the nineties we find his works in galleries worldwide. His first exhibition was “Beyond Words” at the Mudd Club of New York in 1981, exposing along with artists such as Jean-Michel Basquiat and Keith Haring. His first solo exhibition was held one year later, in 1982 at Fashion Moda, a gallery in the Bronx. Since then he has had numerous solo exhibitions in various cities such as Monte Carlo, Hong Kong, Paris, New York, Beijing, Chicago and Singapore.
A recurring theme in the works of Daze is the human eye, represented with a gestural painting, from the changing meaning in every work. In some cases it suggests a dreamlike state of mind, where everything can be imagined, in other cases it is a symbol that allows you to peer into the past and the possibilities of the future.
In the exhibition in Milan there will be paintings made by a layering of images from the personal Daze’s lexicon , fragments of letters that show the early years of underground painting and its ability to merge the lettering with the image that is a sort of artist’s signature. Over several years Daze has also completed many public art projects, including the completion of a mural for the Star Ferry Terminal, Hong Kong, the design and construction of the entire furniture of Hanover Train Station, in Germany, alongside other artists like Lee Quinones and Crash and a mural for the mall Vivo City in Singapore.
The works of Daze are in museums such as the MoMA in New York, the Brooklyn Museum, New York City Museum, the Groninger Museum in the Netherlands, the Ludwig Museum in Aachen, Germany, Smithsonian National Museum for African American History and Culture, Washington, DC and in the most important private collections such as those of Madonna and Eric Clapton.
Not only that, his artistic figure appears in two reference films regarding hip hop culture and graffiti art movement: “Wild Style” 1888, directed by Charlie Ahearn and “Style Wars”, 1981, directed by Henry Chalfont and Tony Silvers.
Daze is also mentioned in bestsellers that tell the origins of Street Art and deepen the figures that have generated it, among them: “Subway Art” by Henry Chalfant and Martha Cooper, 1984; “Spray Can Art” by Henry Chalfant and James Prigoff, 1987; “Subway Graffiti” by Thomas Christ, 1983; “Wild Style” Tokyo Japan, 1983, directed by Charlie Ahearn.
After the solo group at Palazzo Pepoli in Bologna and this exhibition in Milan, in June he will present the book “Dazeworld” published by Schiffer Publishing.

L’ASSIOMA è il punto di partenza.
Per sua definizione e natura non ha in sé concetti da sciogliere, l’assioma non nasconde segreti, né il relativismo di una possibile doppia lettura. In matematica si tratta di un concetto evidente, di una proposizione la cui verità è assodata nella sua immediatezza intuitiva; l’assioma risulta quindi necessariamente indimostrabile e casualmente già dimostrato perché nasce rivestito a priori di un riconoscimento universale che nessuno può confutare in quanto privo di agganci retorici sia matematici che narrativi.
Che cos’è quindi l’assioma se non il concetto primo e indiscutibile da cui è possibile far nascere teorie a cascata? È la base sicura su cui scommettere al fine di far nascere nuove variazioni guidate da influenze terrene in grado di rendere il necessario utile ad indagare il reale.
I due artisti si sono conosciuti a San Francisco nel 2010. La stima reciproca, umana e professionale, e una analoga sensibilità per il ‘geometrico’, li porta a Milano per il loro primo incontro artistico.
Con ASSIOMA Moneyless e Augustine Kofie si incontrano da Avantgarden Gallery per indagare una nuova teoria sviluppando insieme i punti di congiunzione e confrontare, affiancandole, le differenze. Moneyless costruisce la base sicura e Kofie dà inizio alla ricerca affiancando, alle geometrie perfette e iperuraniche, il virus del reale. Il lavoro di Augustine Kofie è quindi la possibile variazione che si pone in diretta connessione con la purezza assiomatica di Moneyless.
Il cerchio ripetuto nella sua perfezione dei nuovi lavori di Moneyless è un mantra che toglie ogni possibilità di critica. Riconoscerne la bellezza e viverne la perfezione è immediato. L’impatto è totale e completo, disarmante. La ricerca di ASSIOMA si completa con l’approccio di Kofie che parte dall’architettura, dal reale quindi, e utilizza la geometrizzazione per creare scenari futuristi che sintetizzano sapori seriali e preziose incursioni analogiche. Il risultato è un geniale equilibrio tra forme geometriche astratte e costruzioni appartenenti a una realtà organica e calda, umana.
Nei due artisti la geometria, modello astratto del reale e gruppo asettico di regole, teoremi e relative dimostrazioni, riacquista l’anima di cui si è spogliata alla sua nascita diventando fonte di ispirazione per un nuovo ruolo e una nuova storia.
Per ASSIOMA, Moneyless e Kofie affrontano una sperimentazione a due. Avantgarden Gallery li ha infatti invitati per una 10 giorni di collaborazione durante la quale ci si aspetta qualcosa che potrebbe definirsi una ‘improvvisazione controllata’. La geometria crea confini, la deduzione assiomatica guida il ragionamento e, in questo caso, l’espressione artistica.
ASSIOMA è la sfida che fa del metodo la prima fonte di ispirazione creativa. L’arte si affianca quindi alla creatività tipica della scienza teorica, creatrice di nuove idee che nascono sulle basi di teorie fissate e universali.
Dalla teoria delle preferenze del consumatore viene l’assioma di transitività che assicura la coerenza logica delle scelte di un consumatore tipo. Ripristinare una sorta di ordine al consumo dei materiali è da sempre la filosofia legata al lavoro di Moneyless e il razionalismo che si intravede nel lavoro di Kofie non è altro che la proposta di un mondo architettonico funzionale e senza fronzoli che non perda d’occhio la capacità di essere appetibile e bello.Bisogni espressivi e scelta dei consumi dei due artisti partono da storie diverse e cammini indipendenti, ma trovarli così affini è naturale e lapalissiano. ASSIOMA è il punto di incontro dei due cammini distinti che potrebbero sottintendere sensibilità gemelle.

MONEYLESS – Teo Pirisi

Classe 1980, in arte Moneyless, vive tra Milano, città in cui è nato, e Lucca.Il suo credo si intuisce dalla scelta del suo pseudonimo: Moneyless, che rivela la volontà di creare e fare arte avvalendosi di materiali semplici con l’intento di non sprecare le risorse, come troppo spesso fa la società consumista e onnivora in cui viviamo ma utilizzarle al meglio. Noto per i suoi interventi in spazi pubblici, l’artista indaga linee e volumi, i suoi lavori infatti traggono ispirazione dalla natura: le sue opere sono forme geometriche minimaliste ed essenziali ma allo stesso tempo imponenti, per così dire mistiche, che si stagliano nello spazio, come sospese e ci inducono al silenzio, alla riflessione e a relazionarci con lo scorrere del tempo.

AUGUSTINE KOFIE

Artista informale americano, classe 1973, nome rilevante della scena della street art di Los Angeles, è considerato uno dei più significativi esponenti del Graffuturism.Il suo stile, che è stato definito Futurismo Vintage, trae ispirazione dall’ architettura moderna, dalla musica Jazz e dalla sua passione per il lettering.Le sue opere sono caratterizzate da una sorta di istintività ragionata, ovvero l’artista lavora secondo un libero fluire del pensiero ma con un ordine che rivela la sua ricerca di equilibrio, il suo interesse per la forma e per la composizione.

The ASSIOMA is the ultimate Starting Point.
By definition and its nature it doesn’t require any arguments to unravel, there are no secrets to uncover, no relativistic misunderstandings when you state it. In Math it’s a self-evident concept, a postulate whose Truth is proven and taken for granted in an immediate and intuitive way; an axiom is therefore obviously indemonstrable and yet basically already demonstrated because it comes with an irrefutable universal recognition, given its lack of mathematical and narrative rhetorical connections.
What is an axiom then, if not the Original and unquestionable concept from which all theories flow like a waterfall? It’s the safe foundation on which we can “gamble“ in order to give life to new variables, that are driven by ground rules that turn hat’s necessary into something useful to analyze reality.
These two artists met in San Francisco in 2010. They share a mutual respect, on a personal and professional level, and a similar sensibility for Geometric thinking a bond that will take them all the way to Milan, Italy where they collaborate artistically for the first time.
With ASSIOMA Moneyless and Augustine Kofie meet at the Avantgarden Gallery to explore a new theory, finding together all the similarities and differences in their works, juxtaposing them. Moneyless takes care of building a solid foundation and Kofie begins a process of research combing Geometric and Hyperuranic Platonic perfection with the virus of reality. The work of Augustine Kofie therefore becomes one of the possible variables directly connected with Moneyless’ axiomatic purity.
The image of a circle shown over and over in its perfection in Moneyless’ new works is a mantra that doesn’t leave any space for questioning. Immediately one recognizes its beauty and lives its perfections. The effect is overwhelming, complete and totalizing. The thought process behind ASSIOMA is complemented by Kofie’s approach that starts from architecture, from everyday reality, and uses geometry to create futuristic scenarios that encompass serial tastes and important analog incursions. The result is a brilliant balance between abstract geometric shapes objects that belong to an organic, warm, human reality.
Thanks to both artists, Geometry, usually seen as an abstract model of reality and a dry set of rules, theorems and demonstrations, brings its soul back to life, a soul lost shortly after his origin when it was the source of inspiration and took on a role of its own changing History.
Through ASSIOMA, Moneyless and Kofie work on a joint experimental project. Avantagarden Gallery has in fact invited them for ten days of collaboration where they are expected to conduct a sort of “controlled improvisation”. Geometry defines lines and borders, deduction is the basis of reasoning and in this particular case, of artistic expression.
ASSIOMA is a challenge that turns the method into the primary source for creative inspiration. Art then relies on the typical creativity of theoretical science, which comes up with news ideas always starting from universal and fixed theories.
The axiom of transitivity is, on the other hand, inferred from the theory of a consumer’s preferences and it determines the logical coherence of the choices of a typical consumer.Moneyless’ mission has always been linked to reestablish a certain kind of order in consuming materials and Kofie’s rationalistic approach is actually a simple proposal for an unpretentious architectonic world that shouldn’t lose its accessibility and its beauty in being relatable.
The expressive needs and the preferential choices of the two artists start from different backgrounds and independent paths but it becomes almost obvious, self-evident, natural the fact that they complement each other so well. ASSIOMA is the point of encounter of two very distinct paths that carry within them two very kindred spirits.

MONEYLESS – Teo Pirisi

Born in 1980, known as Moneyless, he lives between Milan, where he was born, and Lucca. His mission is clearly suggested by his pseudonym: Moneyless, a name that underlines his goal of making art with simple material and without wasting resources, like it often happens in our omnivorous consumer-driven society in which we live in, utilizing this material at its best. Famous for his works in public spaces, the artist explores lines and volume, his creations find inspiration in nature: the are minimalistic geometric shapes, essential and at the same time majestic, mystical in way, that stand out in the space as if suspended and silence us, make us reflect and think about the relation between us and time passing.

AUGUSTINE KOFIE

Informal American Artist, born in 1973, well-known name among street artists in Los Angeles he is considered one of the most significant exponents of Graffuturism. His style has been defined Futuristic Vintage, and he finds inspiration in modern architecture, Jazz music and his passion for lettering.His art is characterized by an instinctual reasoning, when the artist works according to a fluid thought but with an order that revelers his search for balance, his focus on form and composition.

Il nastro adesivo è la materia, le forbici sono lo strumento, il taglio è il gesto. La stampa lo ha definito “tape artist”. In passato, con lo scotch ha “crossato” cartelloni pubblicitari in strada, customizzando personaggi dell’advertising internazionale, creando un immaginario pop fatto di linee spezzate che rimanda alle grafiche dei primi videogame, quelli che sfruttavano una manciata di bit. Il nastro è la sua arte. Avantgarden, galleria milanese da sempre attenta a selezionare il meglio dell’underground internazionale, sceglie NO CURVES– artista tra i più interessanti del panorama italiano, dedicandogli una personale che esplora nella profondità della progettazione. NO CURVES si interroga, da designer, sull’origine dell’”idea” e, da artista, sulla rappresentazione del processo creativo.
Sono 10 i talenti nel pantheon di NO CURVES: Fabio Novembre, Philippe Starck, Stanley Kubrick, Giò Ponti, Antoni Gaudì, Katsuhiro tomo, Bruno Munari, NO CURVES, Fortunato Depero e Le Corbusier. 10 anime di designer che NO CURVES ha posto sotto la lente di ingrandimento della sua ricerca, menti creative di cui l’artista ha seguito filosofia e linea di pensiero, cercando indizi, collegando concetti e immagini che concretizzano il percorso che porta dall’idea alla creazione. Linee e colore sintetizzano le connessioni tra ispirazione, filosofia, progetto e prodotto per divenire opera d’arte. La tecnica del nastro adesivo quindi, conduce l’immagine ai minimi termini e le linee si intrecciano, si scontrano, si sovrappongono, diventando i tratti somatici dei personaggi ritratti ma anche simbolo dei collegamenti neurali e sinaptici alla base dell’ideare.
Da che cosa nasce dunque l”idea”?
La linea di NO CURVES esce dalle opere esposte ed entra come guida nell’intimità dell’artista, nel suo studio, tra le sue cose, nel luogo di raccolta degli indizi che lui stesso ha seguito, rendendoci partecipi del suo personale processo creativo.
Durante TOP OF THE LINES saranno esposti anche “Adam & Eve” (2007) e “I’m young, I’m old, I’m dead” (2010) con i quali NO CURVES è stato tra i finalisti del Premio Cairo 2010.

Tape is the Material, the Scissors are the Tool, the Cut
is the Action. Press defined him as ‘tape artist’. In the past, tape in his hands, he worked on posters on the street, customizing personalities of international advertising, thus creating a pop world made of fragmented lines that remind the graphics of the earliest videogames, those characterized by 8-bit graphics.
The Tape is his art. Avantgarden, gallery sited in Milan that keeps en eye on selecting the best from international underground art, has chosen NO CURVES, among the most innovative artists on the Italian scene, to organize a solo exhibition which deeply explores his planning stage. NO CURVES, as designer, questions himself about the origin of ‘the idea’ and, as artist, about the representation of the creative process.
10 are the talents in the pantheon of NO CURVES: Fabio Novembre, Philippe Starck, Stanley Kubrick, Giò Ponti, Antoni Gaudì, Katsuhiro tomo, Bruno Munari, Ettore Sottsass, Fortunato Depero e Le Corbusier. 10 souls of designers that NO CURVES put under his lens, creative minds whose philosophy and line of thought have been investigated
by the artist, looking for clues, connecting concepts and images that materialize the passage from the idea to the creation.
Lines and color synthetize the connections among inspiration, philosophy, project and product in order to become work of art. The technique of adhesive tape leads the image to the strictest terms, and the lines intermingle, collide, and overlap, becoming the somatic traits of the characters but also symbol of the neural and synaptic connections at the basis of the art of ‘creating’.
But, where does ‘the idea’ come from?
The line of NO CURVES gets out from the exposed artworks and enters as guide into the artist’s intimacy, in his studio, among his things, in the place where he collected the clues that then followed, making us part of his personal creative process.
At ‘TOP OF THE LINES’ will be also displayed “Adam & Eve” (2007)
and “I’m young, I’m old, I’m dead” (2010), for which NO CURVES was chosen among the finalists of the 2010 Cairo Award.

NO CURVES – Bio

NO CURVES è lo pseudonimo dietro cui si cela uno dei più noti artisti specializzati nella tape-art, ovvero l’arte di disegnare con il nastro adesivo: un prodotto utilizzato in prevalenza come materiale da lavoro, diviene nella mani del creativo uno straordinario elemento artistico e uno strumento per poter indagare l’uomo del terzo millennio.
Da numerosi anni NO CURVES grazie alla indiscussa abilità tecnica nell’utilizzo del nastro adesivo, è considerato uno dei massimi esponenti internazionali della tape-art, al punto da essere stato scelto da diversi brand internazionali per campagne pubblicitarie ed eventi di arte urbana (come Adidas, Converse, Smart-Mercedes, Firetrap, Rolling Stone e molti altri) e da Tesa, azienda tedesca leader nel mercato mondiale del nastro adesivo, come artista rappresentativo per l’evento dei suoi 75° anni svoltosi nel 2011 ad Amburgo. Nel 2010 è stato finalista del Premio Cairo – Arte Contemporanea.

NO CURVES is the pseudonym under which hides one of the most well-known artist specialized in tape-art, i.e. the art of drawing with the adhesive tape: a product mainly employed as working material, becomes in the hands of the creative an extraordinary artistic element and a tool to investigate the man of the third millennium.
Since many years, NO CURVES is considered one of the leading representatives of the international tape-art scene, and thanks to the unquestioned technical skills acquired in the use of adhesive tape
he was chosen by many international brands for advertiments and events of urban art (like Adidas, Converse, Smart-Mercedes, Firetrap, Rolling Stone and many more) and by Tesa, German company leader in adhesive tape world market, as solo artist for the event celebrating its
75 years held in Hamburg in 2011. In 2010 he was finalist for the Cairo Award – Contemporary Art.

Intervista nell’ambito della mostra alla Avantgarden Gallery – Milano
https://vimeo.com/39233386

L for Lister
Anarchico australiano, gira il mondo disegnando in cerca di avventure, Anthony Lister, dopo aver esposto a Berlino, New York, San Francisco, Londra, arriva a Milano per la sua prima personale italiana, curata da Fiammetta De Michele, all’Avantgarden Gallery, fino al 28 aprile.

I for Insight
Lister crea per istinto, mischiando l’ironia noir ad atteggiamenti sarcastici. Amore e morte, romanticismo e decadenza, erotismo e infantile innocenza, rosa e nero, bene e male, sono i contrasti stridenti che caratterizzano i nuovi lavori dell’artista. Le sue ballerine sono lo specchio dell’attitudine seduttiva tipica della dolcezza e della fragilità intrecciata con il fascino irresistibile della sessualità animale e della pazza determinazione. Tenere principesse possedute dai lupi si trasformano in assassine dalle ossa spezzate grondanti sangue, mettendoci di fronte a spaccati creativi dove si scardinano i limiti tra ciò che è bene e ciò che è male e dove niente è ciò che sembra.

S for Street
Le strade di tutto il mondo ospitano le enormi facce dal tratto grafico di Lister che come tanti street artist usa due nomi, uno per scorrazzare all’esterno, e compiere assalti murali illegali, l’altro, Anthony Lister, per entrare a pieno titolo in galleria. Irrequieto, skater, appassionato di fumetti americani, Lister usa la sua estrema velocità creatrice come punto di forza per intervenire negli spazi metropolitani, mettendo a punto il suo attacco alla società attraverso quelli che lui ama definire “crimini culturali”.

T for Time
Il tratto di Lister è nevrotico, veloce, guidato dall’istinto, tanto che quando lo vediamo disegnare il percorso creativo è imprevedibile, impulsivo, stralunato. Solo una volta terminato si riesce a vivere razionalmente il disegno: c’è il soggetto, il movimento, il tempo che passa, come se Lister rappresentasse insieme passato, presente e futuro. A Milano, in una delle stanze dell’Avantgarden, interamente dipinta in situ, l’artista ci invita in un ambiente avvolgente, come in una sorta di vortice segnico senza distinzioni tra muro e tela: l’effetto è quello di essere circondati da un stuolo di ballerine in movimento, in preda a uno strano e violento delirio mistico. Un trucco pesante, una testa di lupo, discinte e provocatorie, hanno perso la loro maschera pulita per raccontarci segreti di vite parallele e morbose. Il lavoro di Lister è il naturale risultato di un momento storico nel quale la cultura si mischia con la spazzatura, il bello con il brutto, l’amore con l’odio, il giorno con la notte, l’animale con l’uomo, i lupi con le ballerine, la natura con le metropoli; si generano nuove creature, la doppiezza fa da padrona, si vive dentro a forti contraddizioni e disequilibri che a loro volta creano un interessante territorio riflessivo da dove poter iniziare a raccontare la nostra storia, le nostre idee, le nostre visioni, le nostre perversioni.

E for Emotion
Emozioni contrastanti, paure, ma anche senso di libertà estrema, l’ossessione di Lister è quella di celebrare una lotta contro l’impulso del controllo, contro ogni gerarchia, per arrivare alla vittoria dell’istinto, ma allo stesso tempo si sente in dovere di immortalare i vizi e i peccati capitali ai quali immancabilmente si arriva quando l’uomo si fa prendere la mano da una mancanza di confini, arrivando a una dura critica dello sbandamento a cui è arrivata l’ideologia occidentale nella continua perdita di moralità e modelli di comportamento costruttivi per il bene della collettività.

R for Respect
Personaggio stravagante e controverso, Anthony dimostra, nell’esprimere le sue idee sul mondo e sull’arte, una sagacità che arricchisce la fruizione delle sue opere. Molto importanti sono state la sua critica a internet, in particolare alla vita che rischiamo di passare sempre più connessi ai nostri portatili, e la sua idea di ritorno a una esistenza più naturale e senza sovrastrutture. È banale, ma pur rientrando nei circuiti artistici da professionista, pur rapportandosi a un mondo dove apparenza e pubbliche relazioni spesso fanno da padrone, Lister fa sentire la sua anima che pulsa senza perdere di spontaneità e curiosità verso i luoghi e le persone che incontra.

L as in Lister
Anthony Lister, Australian anarchist who travels the world seeking adventures through drawing. After having exhibits in Berlin, New York, San Francisco and London, he has arrived in Milan for his first Italian exhibition, curated by Fiammetta De Michele at the Avantgarden Gallery and running until April 28.

I as in Instinct
Lister creates instinctively, mixing dark irony with a sarcastic attitude. Love and death, romance and decadence, eroticism and childlike innocence, pink and black, good and bad, are the contrasts that characterise the artist’s new works. His dancers reflect the seductive attitude typical of sweetness and fragility intertwined with the irresistible appeal of animal sexuality and mad determination. Sweet princesses possessed by wolves that turn into murderers with blood dripping from broken bones, placing before us a creative divide where the limits between what is good and what is evil become unhinged and where nothing is what it seems.

S as in Street
Streets all around the world are home to the enormous faces resulting from Lister’s strokes. Like many street artists he uses two names, one to run around all over the place and illegally assault walls, the other, Anthony Lister, to enter into gallery life. Restless, skater, American comic book enthusiast, Lister uses his extreme creative speed as a strength to insert himself into metropolitan areas furthering his attack on society, something he likes to refer to as “cultural crimes”.

T as in Time
Lister’s strokes are neurotic, quick, guided by instinct, so that when we see him draw the creative path is unpredictable, impulsive, bewildering. Only once it is complete can you manage to rationally “live” the design: there are the subjects, the movement, the time that passes, as if Lister would represent the past, present and future all in one. In Milan, in one of Avantgarden’s rooms painted entirely in situ, the artist invites us into an enveloping environment, like a sort of vortex without distinctions between wall and canvas: the effect is to be surrounded by a bevy of dancers in movement, prey to a strange and violent mystical delirium. Heavily made-up, provocative and scantily dressed with wolves’ heads, they have lost their “innocent masks” to tell secrets of parallel and morbid lives. Lister’s work is the natural result of a historical moment in which culture mixes with garbage, beautiful with ugly, love with hate, day with night, animal with man, wolves with ballerinas, nature with the metropolis; generating new creatures, duplicity is the master that lives inside strong contradictions and imbalances which in turn create an interesting reflective place where we can start to tell our story, our ideas, our visions, our perversions.

E as in Emotions
Mixed emotions, fear, but also a sense of extreme freedom, Lister’s obsession is to celebrate a struggle with impulse control, a struggle against every hierarchy, to reach the victory of instinct, but at the same time one feels compelled to immortalise the vices and sins which invariably come when man gets carried away by a lack of boundaries, a harsh criticism has arrived on the heels of Western ideology in the continued loss of morality and models of behaviour which have been constructed for the good of the community.

R as in Respect
An extravagant and controversial character, Anthony demonstrates, when expressing his views on the world and on art, a clarity that enables the fruition of his works. His internet critics are very important, particularly in this time where we are so connected to our laptops, but he has his ideas of returning to a more natural existence without superstructures. It’s trivial, but entering professional art circles, while dealing with a world where appearences and public relations often rule, Lister makes you feel his throbbing soul without losing the spontaneity and curiosity towards the places and people he meets.